27 de enero de 2019

CARACTERIZAR

LA CARACTERIZACIÓN ORGÁNICA
Iconos de la Caracterización
Caracterización: es una palabra que a veces da miedo a los actores, convirtiéndose en un acelerador de adrenalina, un catalizador de riesgos, una emocionante aventura o un paralizador total de la organicidad o verdad escénica.
He tenido conversaciones con actores, donde me doy cuenta que para ellos CARACTERIZAR es lo mismo que CARICATURIZAR. Pues tienen el concepto de que caracterizar tiene que ver con llevar al personaje al cliché o estereotipo per sé, creando entonces una caricatura del personaje (sea ficción de drama o comedia).

Ciertamente, existen ciertas similitudes o características similares en determinados grupos de individuos -estereotipos- bien sea por profesión, oficio, estilos de vida, situación geográfica,  etc., pero esto no significa que sean iguales, pues todos los seres humanos somos distintos, entonces si queremos una actuación orgánica, todos los personajes han de ser distintos.

Un ejemplo muy fácil para ilustrar esto, es el típico personaje de "ladrón"... Muchas veces podemos ver que hay actores que se van al estereotipo del hombre malo "maloso" - malo "malote", sin corazón, que pronuncia mal las palabras o que tiene un determinado tono de voz o que tiene ciertos gestos, el resultado es, un personaje repetido hasta el cansancio y que seguramente no transcenderá en el espectador. Pero, si el actor lo trabaja desde el principio único del "Sí Mágico", desde su verdad, desde adentro y no desde afuera, seguramente el resultado será muy distinto. 

Si, siempre - siempre - siempre - SIEMPRE debemos empezar por el "Sí Mágico", ya que es lo que nos llevará a una caracterización orgánica, si no, simplemente estaríamos realizando una imitación del mundo de afuera, una imitación limitante que nos bloquea un proceso fantástico de creación del personaje. Los actores orgánicos trabajamos de "adentro hacia afuera" y no al revés, (sin obviar claro que hay ciertos ítems que nos ayudan a "redondear" el personaje, pero NO nos dan al personaje).

Les copio acá el link de mi post sobre el "Sí Mágico": https://clayhernandez.blogspot.com/2017/05/el-si-magico.html

Luego del "Sí Mágico" contamos con un mundo de herramientas que nos da el trabajo orgánico para crear un personaje desde nuestras entrañas. Acá sólo voy a señalar dos ejercicios actorales, que sin importar nuestra experiencia como actores, siempre debemos hacer:

1- Monólogo de Profesión u Oficio, que consiste en esa entrevista cercana y humana (o investigación, cuando es imposible la entrevista) que nos va a llevar a la MOTIVACIÓN, al Punto Neurálgico del personaje. 

2- Confrontación, de la cual ya escribí por acá. Les comparto el link:
 https://clayhernandez.blogspot.com/2018/06/cuando-buscamos-la-definicion-formal-de.html

3- La Foto Hablada, un ejercicio apasionante y que sobre todo lo debemos utilizar si vamos a caracterizar a alguna persona real que haya fallecido, o que aún viva, pero a quién nos es imposible conocer personalmente. 

4- Animales, el cual no es el típico ejercicio donde te piden que te imagines que eres un gato por ejemplo y empiezas a improvisar. !No!, este ejercicio trata de un estudio detallado y minucioso sobre un animal y a través de varias etapas, llegar a su humanización.
Famosa es la anécdota del trabajo de Caracterización que realizó Marlon Brando en "El Padrino", donde al parecer trabajó a un elefante en la creación de su personaje

Con estos ejercicios, y muchas otras herramientas se obtiene un fascinante trabajo orgánico de caracterización. En todos el proceso va de adentro hacia afuera, siendo lo de afuera (look, vestimenta, acento, etc) lo último, la guinda de la torta... Hay actores que deciden realizar una profunda caracterización para cada personaje que realizan, otros actores hacen este minucioso trabajo sólo para algunos personajes "importantes", y otros actores jamás caracterizan, por lo que los vemos siempre iguales en cada papel (no hablo de looks).

Debemos siempre recordar algo muy importante: La Caracterización NO consiste en ANULARTE para ser otro... Eso no existe,es ireal pensarlo, es un mito romanticón... La Caracterización es un trabajo de adentro hacia afuera. Es un juego, serio, pero juego en sí, donde llegamos a ser una persona completamente diferente a nosotros, pero sin perder nuestra esencia. Es decir, un mismo personaje puede ser caracterizado por dos actores diferentes y jamás veremos el mismo resultado... y si lo vemos, pues uno de los dos actores está solo haciendo una balurda imitación del otro.

Si te ha gustado este post, o deseas mayor información sobre La Actuación Orgánica, o estás justamente en la preparación de un personaje y deseas un asesoramiento orgánico sobre el mismo, no dudes en contactarme.

Algunas de mis Caracterizaciones 

IG: @clayhernandezm
Mail: clayhermot@gmail.com
Móvil: 633948352

Hasta la próxima... Nos leemos luego!!

Y... ¡QUE VIVA LA ACTUACIÓN ORGÁNICA!

Redactado por Clay Hernández

28 de noviembre de 2018

COACHING ACTORAL


Cuando nos llega la Separata de un Casting, cuando comenzamos el proceso de ensayo de una obra de Teatro, cuando estamos sacando adelante un guión de cine o un libreto, los actores nos sentimos completamente sólos y vulnerables (cosa que es magnífica, porque habla del respeto y compromiso que sentimos hacia nuestra profesión) y llegamos a sentir que no vamos a poder sacar adelante el personaje, o el proyecto... En esta situación, algunos actores optan por el atajo mas fácil y menos sano: aprender el texto al caletre, es decir, mecánicamente, y desde allí luego ir viendo qué puede ir saliendo para luego llevar una propuesta.
Todo esto nos hace el camino muy cuesta arriba y por supuesto flagela y puede bloquear cualquier destello orgánico que nos haga "vivir la parte"... El resultado es un actor/actriz paralizado realizando su casting o ensayo con esfuerzo de recordar las líneas y dejando a la "suerte" cualquer reacción orgánica.
Otros actores optan por estudiar ese texto y buscar respuestas -algo que no está mal- pero que corren el riesgo de la autodirección, lo cual puede ocasionar que en el momento de hacer el casting o ensayo, o filmación, mecanicen su propuesta, pues su preparación previa ha consistido en intelectualizar la escena y no en desglosarla.

Y hay una gran diferencia entre intelectualizar y desglosar.

Desglosar es desmenuzar, deshacer, deshilachar, desentrañar, desembrollar un texto para DESCUBRIR el corazón del mismo.

Y justamente, allí entra la labor de un Coach Actoral... para trabajar tus escenas, interpretar el texto sin intelectualizar razonamientos...

¿Cómo trabajaremos la sesión de coach actoral?
-Comenzamos con la "Cold reading"
-Luego haremos una improvisacion con el fin de experimentar el Sí mágico, la relación con el otro, los aspectos circunstánciales del personaje, el espacio, las acciones, las actividades, etc.
-Analizaremos la estructural lineal (parte objetiva de este análisis)
-Analizaremos la estructura emocional (Tema, Personajes, Superobjetivos, Motivaciones, Objetivos, Acciones, Modificadores, Actividades)
-Daremos vida al desglose para establecer cuáles son las Acciones que realiza tu personaje para alcanzar los objetivos que se plantea motivado por lograr su SUPEROBJETIVO.

Así que si deseáis un sesión de coaching actoral de "LA ACTUACIÓN ORGÁNICA" os invito, bien sea presencial (en Madrid) o vía online.

Para mayor información:
clayhermot@gmail.com y 633948352

Clay Hernández

Pd: Aquí os dejo un resumen de mi historia como Actriz, cómo Coach y como Profesora actoral:
https://clayhernandez.blogspot.com/p/clairet-hernandez-curriculum.html

12 de noviembre de 2018

ORGANIC ACTING

En estás ultimas semanas he tenido la dicha de impartir clases abiertas sobre la actuación orgánica (o como es mayormente conocido: "El Método") acá en Madrid y siempre comienzo preguntando sobre conocimiento, referencias e inquietudes sobre el tema. Desde allí partimos hacia una interesante conversación sobre la necesidad y el deseo de plasmar verdad en escena que tenemos todos los actores que disfrutamos esta profesión, sin embargo, de parte de algunas personas siempre surge una duda derivada del temor hacia el trabajo emocional, pues como todos sabemos, el mito que se ha creado hacia "El Método" ha sido muy grande y ha influido en el desconocimiento del mismo. 

Siempre os recuerdo que el mismo gran Maestro Lee Strasberg decía que no hay "Un Método", sino que "El Método" es un conjunto de herramientas que brindan al actor la oportunidad de deslastrarse del trabajo mecánico y fingido, y que dichas herramientas las vamos adquiriendo, conociendo y ejecutando a través de las distintas facetas del entrenamiento vital y continuo que debemos realizar los actores. Pero sin obviar que lo más importante es partir siempre desde lo más básico y poderoso que tenemos los actores que amamos la organicidad: !"El Sí Mágico"!

Para trabajar el "Sí Mágico" partimos desde la base del entrenamiento personal, o como se conoce más ampliamente "El trabajo del actor sobre sí mismo", que consiste en un re-descubrimiento y despertar sensorial, un re-conocer nuestra herramienta principal que somos nosotros mismos, para luego pasar a la interpretación, la caracterización, el estudio de un texto, desde "adentro hacia afuera".

Justamente en todo ello está basado mi curso sobre "La Actuación Orgánica" basado en los legados de Strasberg y Adler y de la experiencia que he tenido durante más de 10 años como entrenadora de actores (https://clayhernandez.blogspot.com/p/clairet-hernandez-curriculum.html)

Es un curso 100% práctico ideado para que conozcas en tú propia piel las herramientas que brinda la escuela de la Actuación Orgánica (la "técnica americana") para el desarrollo de tu trabajo auténtico en escena, enfocándonos en lo POSITIVO DE LA EMOCIÓN, es decir, en el DISFRUTE entre tu conexión interna y externa.

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA: El legado de Stanislavski, Strasberg y Adler es el aporte de maravillosas herramientas para que el actor entre en conexión con su interior, derivando en el fortalecimiento de un conocimiento de su herramienta.


LA ACTUACIÓN ORGÁNICA nos permite una actuación real y vívida que trae como consecuencia una verdad en escena auténtica. Para llegar a ella debemos desarrollar un trabajo de ejercicios actorales 100% prácticos que tienen como objetivo el ¨trabajo del actor sobre sí mismo¨ para luego adentrarse más profundamente al trabajo orgánico y activar la sensibilización actoral.

Mayor información y reservas:
Teléfono: 633948352

20 de septiembre de 2018

EL MÉTODO... MITOS

Aún y con algunos detractores y muchos apasionados por la actuación orgánica, o como también llaman: "el método americano", no cabe duda que a todos emociona una escena bien lograda en cine, teatro o televisión. Y una escena bien lograda, no es más que una ficción llevada a hacerla real, donde hay contacto, empatía, emoción real...
Defensores o no de "el método", no creo que alguien pueda negar emocionarse con cualquier trabajo actoral de Al Pacino, Sally FieldPaul NewmanAl PacinoKim Stanley, James DeanDustin HoffmanEli WallachMarlon BrandoEva Marie SaintRobert De NiroJill ClayburghJack Nicholson, y Steve McQueen, solo por nombrar a los más clásicos actores de "el Método"

En sí, "El Método" era el término dado por Lee Strasberg a un estilo de actuar basado en las enseñanzas de Stanislavski que él desarrolló y promovió por muchos años en el "Actor's Studio" de New York. Su idea fue situar el actor en el papel guiado por su interpretación emocional, su creación artística, en respuesta al carácter y a la situación y así cumplir con su máxima: El verdadero actor no actúa, sino que siente, crea y proyecta”

Es bien sabido que el teatro puede ayudar al individuo en su desarrollo como ente de una sociedad cultural y espiritualmente hablando, y que a través de sus técnicas éste puede mejorar aspectos de su vida diaria, como la comunicación e interrelación con los demás. Una de las técnicas con la que se logra mayormente esta tarea es la Técnica del Método de Lee Strasberg, el cual está a su vez basado en la  Técnica de Constantin Stanislavski, ya que es cien por ciento vivencial y que busca siempre el trabajo y estudio del interior del individuo, sus emociones, bloqueos y conflictos, para traerlos al aquí y ahora, reconocerlos y que trabajen dichos procesos para que actúen a favor y no en contra.
"El Método" nos permite una actuación real, y orgánica, que trae como consecuencia una verdad en escena, pocas veces vista o llevada a escena. El primer paso para entender y/o conocer el ABC de esta técnica,  es la puesta en práctica de una serie de ejercicios individuales y prácticos que otorgan las herramientas necesarias para que el actor perfeccione y sepa utilizar sus propios recursos, y como consecuencia se activa la sensibilización actoral, desarrollándose un trabajo basado en la organicidad.

¿De dónde viene El Método? CONSTANTIN STANISLAVSKI El padre del teatro moderno. Paralelamente a su trabajo como director y actor, Stanislavski llevó a cabo una importantísima labor como pedagogo, creando el llamado "método de las acciones físicas", conocido también como "sistema Stanislavski". La preocupación fundamental de Stanislavski fue la de luchar contra un estilo de actuación grandilocuente, basado en el cliché, el estereotipo repetitivo y vacío de emociones que imperaba en su época. Reaccionó contra el divismo y se opuso a la actuación narcisista dirigida hacia el espectador sólo en busca de aplausos.
Rescató al actor como artista. Propuso un modelo de actor honesto consigo mismo y con su arte, un actor que trabaje sobre la verdad, ya que para el maestro ruso no existía arte sin verdad (LA GRAN VERDAD EN ESCENA). Elevó al actor a la categoría de creador.
A la noción idealista de la creación vinculada a conceptos escasamente objetivos como talento, intuición, genio, inspiración; opuso un elevado profesionalismo en el actor, basado en un método que le permitía encontrar estados emocionales auténticos y dejar de depender de la aparición azarosa de los mismos.

https://youtu.be/1623SMXkJCw

Una de las grandes pupilas de Stanislavsky fue Stella Adler, destacada actriz quién luego se dedicó a la enseñanza.
Fue una figura influyente en el Actor's Studio, pero discrepancias con Strasberg la hicieron separarse y establecer su propia escuela, que se basó en lo aprendido de Stanislavsky, enfocandose primordialmente en el trabajo de la imaginación del actor.
Entre los actores más destacados que han estudiado en el Stella Adler Studio of acting  sus alumnos mas destacados, se encuentran: Marlon Brando, Robert De Niro, Benicio del Toro, Mark Ruffalo y Melanie Griffith, Elaine Stritch, Martin SheenDiana MuldaurDolores del RioBob CraneRoy ScheiderVincent D'OnofrioMark RuffaloWarren BeattyMichael ImperioliSalma HayekSean AstinBarbara StuartJoyce MeadowsStephen BauerJudd NelsonChristoph Waltz


Este próximo jueves 18 de octubre, de 20:00 a 22:00 daremos una clase abierta sobre "LA ACTUACIÓN ORGÁNICA", un taller establecido hace 11 años y que está basado en estos tres grandes legados.
Os invito a disfrutar de esta clase abierta, en un magnífico y artístico espacio: El 5 de Velarde, en el mítico barrio de Malasaña.
Sólo debéis confirmar asistencia a través de clayhermot@gmail.com o al número 633948352


REDACTADO POR
Clairet Hernández
633948352

2 de julio de 2018

¿QUÉ TAN IMPORTANTE ES UN COACH ACTORAL?

La importancia del Coach Actoral en la vida de un actor:

El COACHING es el ENTRENAMIENTO, la ORIENTACIÓN, la PREPARACIÓN, el ADIESTRAMIENTO, la ASESORÍA...


Si hay algo verdaderamente cierto en la vida de los actores es que el ENTRENAMIENTO profesional debe ser constante, ilimitado y de por vida. Incluso grandes actores reconocidos y admirados por la majestuosidad de su trabajo, nos lo recuerdan -haciéndolos aún mas grandes frente a nosotros por esa humildad que define al Artista verdadero- precisamente porque su profesionalismo y total entendimiento de la actuación los diferencia de quienes se adentran en esta profesión por motivos errados.


Al Pacino y Charles Laughton
Al Pacino, uno de mis actores favoritos, actor de teatro y cine con una carrera de más de 50 años,  donde ha obtenido numerosos premios como: el Óscar, el Emmy, el Globo de OroSAGBAFTATony, entre otros, siempre resalta el trabajo que realiza con su mentor Charles Laughton para cada personaje. Charles fue uno de sus primeros profesores de actuación, y su labor ha desembocado también en una gran amistad.

La reconocida actriz francesa Juliette Binoche define a un buen 
coach actoral: "es aquel que logra sacudirte como un árbol hasta que se caigan los frutos". Y también nos aclara la gran necesidad de confiar en un buen coach actoral: "Antes de conocer a Susan, como actriz me sentía muy sola porque nadie podía desafiarme".

Precisamente habla de Susan Batson, reconocida actriz, productora, profesora y coach actoral, alumna de Lee Strasberg, Uta Hagen y Hebert Berghof, y quien además realiza coaching a Tom Cruise, Jennifer López, Jennifer Connelly, Jamie Foxx, entre otros. 
Sobre su rol como coach actoral, Susan Batson dice: "... mi trabajo consiste en buscar la verdad. De la misma manera que lo hago con mis estudiantes, lo hago con Ophraw o Nicole (Kidman). La diferencia es que una estrella es consciente de ciertas cosas que mucha gente no, como que tiene un Oscar, que se le ha dicho que es una gran estrella y ese tipo de cosas que te pueden llevar a la llamada zona de confort..."

Es decir, entre un coach actoral y un actor debe darse una comunión profesional basada en confianza, disciplina, sinceridad y total transparencia para que fluya sin inconvenientes el proceso de creación. Si buscamos una imagen, es algo así como que el Actor o Actriz está gestando un personaje y su coach es la partera o partero que ayuda a dar a luz ese personaje o escena.

Un coach actoral es trascendental en la vida del actor/actriz sin importar si éste está comenzando o si tiene una larga y respetada trayectoria. ¿Para qué?

Para la ORIENTACIÓN en la preparación del personaje
La PREPARACIÓN de escenas, estableciendo los "Aspectos Circunstanciales
Para GUIAR a los actores en la interpretación del texto y/o libreto
El ADIESTRAMIENTO en el desglose de escenas (análisis del texto)
ASESORÍA en cuanto a técnicas actorales, trabajo de la voz, dicción, acentos, etc.

A continuación comparto las palabras de algunos Acting Coaches o Coaches Actorales, o si lo prefieren, entrenadores actorales, que muy amablemente han aceptado colaborar conmigo en este tema compartiendo su opinión sobre esta labor:
Elise Arsenault:
"The role of an acting coach is to guide you as you first strip away personal habits to find a most neutral state as an actor. Then when prepping material for a scene, audition or project, a coach will be your outside eyes and ears to reflect what it’s looking like/ coming off as to the audience. An actor needs a mirror held up to them to know what if anything to change. This is one of the many responsibilities of a great acting coach"
Global Actors
"El papel de un entrenador actoral es guiarte a medida que te deshaces de los hábitos personales para encontrar un estado más neutral como actor. Luego, cuando preparas el material para una escena, audición o proyecto, un coach será tus ojos y oídos externos para reflejar cómo se ve o se va hacia el público. Un actor necesita un espejo sostenido para saber si hay algo que cambiar. Esta es una de las muchas responsabilidades de un gran entrenador de actuación"
Pueden saber de más ella en su web:
http://www.elisearsenault.com/
     


Nerea Barrios
Master Anual de Dirección
"La figura del coach en España, parece un término "nuevo" y con todo el respeto, "una moda". Pero francamente, desde mi punto de vista y mi manera de trabajar hay una gran diferencia entre un director, un profesor/Maestro y un coach. Siendo la figura de este último diferente a las otras dos, ni mejor, ni peor, diferente y por supuesto en ambos casos complementaria. En mi caso (porque estoy convencida de que cada coach trabajamos de manera distinta), mi trabajo consiste en encontrar la "esencia" de cada persona y por ende de cada actor. Buscamos crear seres humanos, no personajes. Y para eso es absolutamente necesario conocerse a uno mismo, observar y vivir el mundo que nos rodea y ser honestos con nuestras emociones (por duro que pueda parecer en ocasiones). Ciertamente así dicho, da hasta "miedito" si quieres, pero en eso consiste mi trabajo: en acompañar a cada actor en la búsqueda de lo mejor de sí mismo en cuanto a talento interpretativo se refiere. Dar armas al actor para saber dar propuestas al director. Dar herramientas al actor para ordenar lo aprendido en las escuelas. Y por último facilitar la comunicación Actor/director"

Por cierto, Nerea Barrios estrenará en Septiembre la pieza "LO VEO POR TODAS PARTES"  una obra que nace de la mano de 4 mujeres de distintas edades que deciden unirse para contar 4 historias, 4 intentos de mostrar una realidad que para la mayoría está oculta.


En conclusión, todo actor/actriz debería contar con la figura del Coach Actoral para su trabajo profesional, pues es quien lo lleva de la mano para afianzar su seguridad bien sea en una obra de Teatro, en su trabajo en Televisión o en el Cine. Y deberá crearse una amalgama entre ambos para desarrollar un excelente trabajo orgánico.

Nos leemos en el próximo tema.

Redactado por Clairet Hernández

IG: @Clayhernandezm 
FB: Clairet Hernández
TW: @Clayhernandezm




21 de junio de 2018

CONFRONTACIONES

Cuando buscamos la definición formal de CONFRONTACIÓN, encontramos dos definiciones:

1 f. Careo o enfrentamiento entre dos o más personas.
2 Comparación, cotejo de una cosa con otra.

En la Actuación Orgánica, la CONFRONTACIÓN cumple a cabalidad ambas definiciones. Pues cuando nos llega un personaje "diferente a nosotros" debemos, y/o tenemos, que comenzar un proceso de CONFRONTACIÓN


De hecho, en el transcurso de la preparación actoral orgánica, existe un ejercicio llamado precisamente: CONFRONTACIÓN. Dicho ejercicio lo ejecuté y aprendí en mi escuela de formación, y luego con los años lo establecí dentro del pensum de mi taller "LA ACTUACIÓN ORGÁNICA".

Consiste en defender una postura totalmente opuesta a la nuestra. Es decir, defender un tema del cual estamos totalmente en contra.

Un ejemplo propicio, debido al actual apogeo, es el tema del aborto. Si el actor o actriz está totalmente en contra del aborto, en su ejercicio tendrá el reto de defenderlo... Pero defenderlo visceralmente. 

Para lograr esto orgánicamente, sin fingir posturas, debemos pasar por un interesante y minucioso proceso de investigación. Mientras más investiguemos los porqués de quien piensa totalmente opuesto a nosotros, más podremos entenderlo, y más orgánicamente podemos aceptarlo.

¿Para qué, por qué y cómo hacerlo luego con nuestros personajes? 
Pues, para empatizar con el personaje... 
Es la mejor y más honesta manera de crear EMPATÍA con nuestro personaje, sobre todo si ese personaje es "diferente a nosotros" (si su postura ante la vida es diametralmente diferente a la nuestra). 
Si nosotros no lo entendemos, si ENJUICIAMOS sus acciones, jamás deberíamos interpretarlo, porque lo haríamos desde las afueras de nuestro ser, desde la critica, desde la señalización. Y a nuestro personaje tenemos que amarlo, o mínimo tratarlo con un gran amigo, para comprenderlo, para ponernos en sus zapatos, para VIVIRLO... 

¿No creen que es difícil hacerse amigo de alguien a quien aborrecemos? 

Todo lo anterior resume la definición 1 de la palabra CONFRONTACIÓN... Pero... ¡Sorpresa!, está implícita la definición 2.

Pues sí. Los actores debemos tener una mente abierta y razonable, pero sobretodo un corazón que se sepa conectar con las diferencias, con lo contrario, con lo opuesto. Y durante el proceso de encuentro y análisis SEGURAMENTE busquemos compararnos y encontraremos que en esas diferencias conseguiremos una parte de nosotros que está escondida o reprimida y que nos da una bofetada, una hostia, que derivará -si decidimos adentrarnos- en un crecimiento personal... 

Por todo esto es que nos damos cuenta que Constantin Stanislavsky, llamó magistralmente "EL TRABAJO DEL ACTOR SOBRE SÍ MISMO..."a la primera parte del proceso de formación, y que Strasberg respetó y afinó, sosteniendo siempre que los GRANDES ACTORES "trabajan en dos esferas: el trabajo del actor sobre sí mismo y el trabajo del actor sobre el personaje" (tanto en el proceso de formación como en el acontecer profesional). Y que Stella Adler lo sostenía también, con otras palabras pero con la misma sustancia: "Tienes que definir la diferencia entre tu comportamiento y el del personaje, encuentra toda justificación para las acciones del personaje, y continúa desde allí para actuar desde ti mismo, sin pensar dónde termina tu acción personal y empieza la del personaje"


Como siempre digo: Strasberg y Adler, se separaron y se adjudicaron entre sí interpretaciones erróneas del Sistema Stanilavskiano, pero en sí ambos iban en el mismo camino, por rutas paralelas, sólo que los carteles de señales eran un tanto diferentes... !!!Que gran legado el de los tres!!!

Con lo anterior me toca escribir lo que afirmo y afirmaré siempre: Los personajes te buscan... y llegan para enseñarte siempre. Así que sin que suene terapéutico, os recomiendo prestar siempre máxima atención a la "casualidad" del momento que estemos viviendo y la llegada de nuestro nuevo personaje...

Hasta la próxima... Nos leemos luego!!


Y... ¡QUE VIVA LA ACTUACIÓN ORGÁNICA!

Redactado por Clay Hernández 
@clayhernandezm
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Carl Gustav Jung: "Conozca todas las teorías. Domine todas las técnicas, pero al tocar un alma humana sea apenas otra alma humana".

23 de mayo de 2018

INTENSIVO

TALLER INTENSIVO“LA ACTUACIÓN ORGÁNICA”:
LO POSITIVO DE LA EMOCIÓN

Este Taller Intensivo está basado en “El Método” de Lee Strasberg y en el legado de Stella Adler (Trabajo de Imágenes)
Es un Taller 100% práctico ideado para que conozcas en tú propia piel las herramientas que brinda la escuela de la Actuación Orgánica (la "técnica americana") para el desarrollo de tu trabajo auténtico en escena, enfocándonos en lo POSITIVO DE LA EMOCIÓN, es decir, en el DISFRUTE entre tu conexión interna y externa.

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA: El legado de Stanislavski, Strasberg y Adler es el aporte de maravillosas herramientas para que el actor entre en conexión con su interior, derivando en el fortalecimiento de un conocimiento de su herramienta (Su ser físico y emocional). Cuando se es niño se tiene un gran sentido natural de expresar emociones y sentimientos, así como también una gran sensibilidad, originado por el innato deseo de experimentación del mundo. Sin embargo, esto se va perdiendo a medida que vamos creciendo, debido a que la sociedad va dictando una serie de pautas, normas y patrones que por lo general no son bien conducidas y que van generando bloqueos que hacen que el individuo pierda la capacidad de manejar sus emociones libremente.

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA nos permite una actuación real y vívida que trae como consecuencia una verdad en escena auténtica. Para llegar a ella debemos desarrollar un trabajo de ejercicios actorales 100% prácticos que tienen como objetivo el ¨trabajo del actor sobre sí mismo¨ para luego adentrarse más profundamente al trabajo orgánico y activar la sensibilización actoral.

ANTECEDENTES:

Lee Strasberg. EL MÉTODO: Era el término dado por él a un estilo de actuar basado en las enseñanzas de Stanislavski que desarrolló y promovió por muchos años en el ¨Actor´s Studio¨ de New York. Su idea fue situar el actor en el papel guiado por su interpretación emocional, su creación artística, en respuesta al carácter y a la situación y así cumplir con su máxima: “El verdadero actor no actúa, sino que siente, crea y proyecta”
“….Consiste en la capacidad de crear de manera orgánica y convincente, física, mental y emocionalmente, la realidad que exige el personaje de la obra y expresarla de manera vívida y dinámica” . Lee Strasberg

Stella Adler Stella Adler, por su parte fue la única actriz estadounidense que vio clases con el Maestro Stanislavski. Consagrada como una de las más destacadas profesoras de Interpretación. Formó parte importante del ¨Actor Studio¨, pero lo deja por su conocida oposición con Strasberg y su forma de manejar el legado de Stanislavski.
Su trabajó se basó principalmente en el desarrollo de la Imaginación del Actor a través de su estudio detallado del mundo que lo rodea, y crear imágenes para llegar a la emoción del personaje.

Y antes:
Importante recordar que paralelamente a su trabajo como director y actor, Constantin Stanislavski llevó a cabo una importantísima labor como pedagogo, creando el llamado "método de las acciones físicas", conocido también como "sistema Stanislavski". La preocupación fundamental de Stanislavski fue la de luchar contra un estilo de actuación grandilocuente, basado en el cliché, el estereotipo repetitivo y vacío de emociones que imperaba en su época. Reaccionó contra el divismo y se opuso a la actuación narcisista dirigida hacia el espectador sólo en busca de aplausos.
Rescató al actor como artista. Propuso un modelo de actor honesto consigo mismo y con su arte, un actor que trabaje sobre la verdad, ya que para el maestro ruso no existía arte sin verdad (LA GRAN VERDAD EN ESCENA). Elevó al actor a la categoría de creador.-

“El actor debe ser un observador atento no sólo en la escena, sino también en la vida real. Debe concentrarse con todo su ser en lo que lo atrae; debe mirar un objeto, no como un transeúnte distraído, sino con penetración, porque de lo contrario su método creador no guardará relación con la verdad de la vida ni con su época”. (Constantin STANISLAVSKI, El trabajo del actor sobre sí mismo)






CARACTERIZAR

LA CARACTERIZACIÓN ORGÁNICA Iconos de la Caracterización Caracterización: es una palabra que a veces da miedo a los actores, convirt...